2023年的那點事

無論是盧浮宮還是 大英 博物館都有大量的木乃伊，應該說 埃及
館還是很多大人朋友最愛的區。這具木乃伊是一個生活在托勒密時期的人，根據這一時期的風俗，死者的屍體被仔細地包裹在布條中，布條的配置達到了很高的藝術質量，尤其是在面部的水平，它由幾個部分組成，一個覆蓋頭部的面具，一個靠在胸前的大脖子，一個在腿上展開的圍裙，最後，一個腳的信封。根據x光檢查結果，這具木乃伊是一個成年男子，他的臉上覆蓋著一個面具與和諧的特點，其頂部是一個有翅膀的聖甲蟲，象徵著重生。覆蓋在胸前的寬領由幾排珍珠組成，並有鷹頭形狀的鑿子。在他身上的圍裙上，有幾個場景被分成了登記冊。人們可以看到木乃伊躺在床上，周圍圍繞著女神伊希斯和奈芙蒂絲以及荷魯斯的四個兒子。最後，在用腳的盒子里，TWC代表了葬禮神Anubis。文本列出了所有在場的神的名字，死者將自己的命運托付給神靈。書記官坐像（凱），雕塑家對頭部的刻畫細緻入微，表現出書記官的智慧而警覺的個性，這需要傑出的洞察力和感受力，在那個久遠的年代很少有人能夠做到。書記官席地而坐，在那個文盲占多數的社會中是個備受尊崇的職位，但在
埃及 等級制度中遠低於法老。藝術史有這麼個定律:地位越低，越寫實。這座令人印象深刻的勝利女神雕像，被稱為耐克，是為了紀念羅得島居民在敘利亞贏得的一場戰鬥，也是 希腊
藝術的另一個例子。勝利是這個時代很受歡迎的女神。1863年，在 愛琴海
北部一個名不見經傳的小島薩莫色雷斯，人們發現了這座巨大的雕像，當時它已經碎成了幾百塊。有一次，她會在山頂上喝啤酒，俯瞰大海像維納斯的米洛，耐克也將被裝飾和繪畫。她的頭和胳膊都不見了。據說女神和船首的部分是在不同的時間到達
法國
的，因為最初它們並不被認為是屬於彼此的。耐克自1883年以來就一直在這座樓梯的頂端然而，也許今天女神的名字更出名的是一個流行的服裝品牌，而不是這尊雕像。但是如果你仔細看這個流行品牌的標誌勝利女神你會看到它的靈感來自於女神翅膀的形狀。《一個年輕人被維納斯帶給自由七藝》， 意大利 佛羅倫薩 著名畫家桑德羅.波提切利， 濕壁畫 ， 創作年代：1483-1485，自由七藝應該是指古 希腊
的文法、修辭、邏輯、算術、幾何、音樂及天文學，畫中的七位女神可能是分別代表這七藝。濕壁畫是一種傳統的壁畫製作技術，它涉及使用耐久且可溶於水的熟石灰顏料，這些顏料在與水混合後迅速塗抹在新粉刷的熟石灰（lime
plaster）牆面上。這種技術的特點是壁畫完成後能夠長期保存，因為它們結合了濕材料和顏料，使得畫面與牆體緊密結合，不會輕易脫落或剝落。濕壁畫通常在溫暖濕潤的氣候條件下繪製，以確保顏料的最佳性能和畫面的持久性。Guido di Pietro 出生在 意大利 佛羅倫薩 附近的小鎮 Vicchio di Mugello一個相對 富裕
的農場家庭。20歲左右加入道明兄弟會(又譯多明我會) (Ordo Praedicatorum)成為一名修士，稱為 Giovanni da Fiesole 在
菲耶索萊 修道院修行，後世多簡稱他為 弗拉·安傑利科 Fra 在 意大利
語里指“兄弟”衍生為“兄弟會裡的修士”，因此對畫家名字最準確的翻譯是“修士安傑利科”。
雖然進了修道院潛心修行，但為了維護修道院的日常，當時的修士每個人都要參與一項工作，安傑利科選擇的就是繪畫。他從手抄書開始，在還沒有印刷術的時代，安傑利科修士每天虔誠地抄寫聖經，並配上精美的裝飾插圖。傳聞他曾受到天使的親臨啟發，使他所畫的天使聖潔而充滿靈氣。（這也是為什麼後世美贊其為安傑利科（Angelico
意大利 語‘天使’）也被稱為 Beato Angelico ，意為“天使賜福的”。 《基督受難與聖 多米尼克 》 ，木板蛋彩，基督受難，下麵跪著的是聖
多米尼克 。這幅畫是美第奇家族委托作者敬獻給 佛羅倫薩 費埃索女修院祭台的。這是一組畫中的一幅，其他的分佈在聖馬可博物館、 慕尼黑 、 都柏林 、 華盛頓
博物館，1880年進入盧浮宮。
蛋彩畫是一種古老的繪畫技法，是用蛋黃或蛋清調和顏料繪成的畫，多畫在敷有石膏錶面的畫板上。盛行於14～16世紀 歐洲
文藝復興時代，文藝復興時代曾獲得輝煌成就，到16世紀後，逐漸被油畫取代。 喬托名畫《聖方濟各接受聖痕》，似乎向我們轉述了這樣一個道理：苦難是相通的，只有感同身受的人能夠理解。
聖方濟各是基督教方濟各會的創始人，他活躍在13世紀初。在文藝復興先驅喬托出生的時候，他已經去世近半個世紀，但他始終作為喬托的精神偶像而不斷地出現在他的作品中。
據說，聖方濟各出身富貴之家，但他卻主動拋棄了物資生活，而走向了清修之路。他很長時間都在 意大利 的 阿西西
山修道，傳說，萬物皆有靈，鴿子都能收起羽翼，聽他的耐心佈道。《聖方濟各接受聖痕》中顯示的便是聖方濟各在清修中與耶穌的一場神奇的邂逅。我們看到，在畫中，聖方濟各單膝跪地，舉目蒼穹。肋生雙翼的基督，升騰在天空，道道光線，分別從他的手上、腳上和他的身側傷口中射出，這些光線照射在聖方濟各的身上，乃至於穿透他的身軀，攪動他的靈魂，讓他仿佛親身體驗到了耶穌受難時刻的那份苦痛。在這裡，聖方濟各第一次通過自己的手腳和身軀，與先代聖人的苦難緊密地連接在一起。喬托在作品中，第一次將人的情感賦予在作品角色中，使自己作品中的人物不再像中世紀繪畫那樣，平板化、公式化。Fra Diamante 在這個祭壇畫面板（祭壇桌）中增加了風景如畫的細節（葫蘆、廢墟上的蜥蜴），並將場景置於讓人聯想到 托斯卡納
鄉村的環境中，以方便信徒識別人物。在這裡，他的靈感來自菲利波'里皮（Filippo Lippi） 在 斯波萊托 （ 意大利 ）繪製的壁畫。 托斯卡納
一個嚮往已久的地方。 鑽石之間，當時我都沒有感覺，現在看這幅畫很有意思的服裝顏色搭配，是個x的對稱結構，左上角天使的粉紅與右下角約瑟的顏色相近，同樣右上角的天使和左下角瑪麗的地府顏色相近，這幅畫將耶穌出生在
伯利恆 的馬槽里場景與 托斯卡納 的農村完美集合。十字架上的基督與聖母 瑪利亞 、 聖約翰 和十字架腳下的聖約伯，1514年，為 博洛尼亞
的聖喬貝教堂繪製，這裡的先知約伯戴著王冠，這幅畫是為治療梅毒患者的教堂醫院準備的，傳說先知約伯受到撒旦的攻擊，身上佈滿了毒瘡。上帝是造物主，創造了約伯，約伯愛上帝是上帝的僕人，撒旦是墮落的天使，上帝為什麼允許撒旦去試約伯的忠心，我想大概是上帝明白所有的忠心都需要經歷，而不是表白心跡。沒錯，蒙拉麗莎不愧是盧浮宮的頂流，都說她的微笑很神秘，當我走進展館，與她對視了幾秒，確實感覺到了一絲說不上來的神秘，似笑非笑，她好像想說些什麼，可是欲言又止。，讓人琢磨不透。人們常常說伴侶之間最默契的事不過就是一個眼神，是的，我們都太喜歡會說話的眼睛。皇后約瑟芬是拿破侖的妻子。拿破侖稱帝以後，除了寵用達維特以外，對普呂東也很器重。他允許畫家給他的兩位夫人和兒子畫像。而約瑟芬這個模特兒，在畫家的全部繪畫創作中占著更重要的位置。她長得秀麗、莊重。畫家普呂東不僅很願意畫她，並決心以她來完成自己一系列傳世傑作。他反覆研究，畫了大量草圖，最後，在1805年的一幅肖像畫上，把約瑟芬處理在馬爾梅松城堡的花園一角的樹叢間的石椅上斜靠著，正陷入沉思。皇后穿著袒胸露肩的白色輕紗長裙，一條紅色鑲邊的大氅翻蓋在膝頭上。畫家強調了她那頎長的身材，嬌柔的肢体和豐滿的胸脯。她具有古典美的特征，但卻沒有舊式宮廷婦女的那種華貴氣。一張明凈純潔的臉，正在向觀眾訴說著她內心的思緒。這幅肖像畫提示了
法國 古典主義繪畫的異化現象。它那浪漫主義的情調和鮮明的色彩對比，就是這種異化的信息。畫家死後，《約瑟芬皇后像》曾因畫題名字的更改引起了一場爭論--
這張肖像畫究竟畫的是誰?有人說不是約瑟芬皇后，而是拿破侖的女兒奧爾唐斯。經過長期的爭議與反覆考證，這種母女形象混淆的矛盾終於獲得解決。證明這幅肖像畫描繪的是約瑟芬，一個42歲的婦人。由於保養得好，所以人到中年仍然光彩照人。這幅《自由引導人民》就是是畫家在上百幅“七月革命”街戰的草圖的基礎上定稿的畫面，全畫採取頂天立地的構圖形式。倒在地上的屍體、戰鬥的勇士以及高舉法 蘭西
旗幟的女子，構成一個穩定又蘊藏動勢的三角形。象徵自由、平等、博愛的三色旗位於等腰三角形的頂點，自由女神的人群的頭部的橫豎黃金分割線的位置，場面宏偉，構圖組織井然有序。他們身後都是一往無前的戰士，遠處的建築是
巴黎 市中心的標誌—— 巴黎
聖母院。以一個象徵自由的女神形象為主體，德拉克洛瓦的浪漫氣質造就了這樣一位袒胸露懷的女子形象，招呼著後方的人民，將神話中的自由女神與浴血奮戰的人民安排到一起，她長著
希腊
雕塑般的輪廓，穿著朴素古典的衣著，與周圍身穿現代服裝的男士們相比，她更像一個抽象的人，代表著最高的精神與意義。緊跟她前後左右的是工人、市民、孩子、學生等。她的右方是一個持著雙槍的少年，急速向前奔跑，表現了為了自由全民參戰的的情景,他象徵少年英雄阿萊爾。一名受了重傷的青年工人正抬頭仰望自由女神的三色旗，前景右側有兩名政府軍的士兵倒斃在地上，左側躺著一位為自由而獻身的起義者。他們手持武器，踏著血跡和屍體奮勇前進。她的身後有兩個工人揮舞著尖刀，表情剛毅，顯示出憤怒的神色。人群上方則是陰霾的天空。畫面中一名頭戴高禮帽、身穿燕尾服、手中緊握長槍的人，大聲疾呼，號召人民以偉大的過去為榜樣，起來進行鬥爭，進行革命。達 芬奇
的學生伯納迪諾·盧伊尼很擅長創作一些年輕女性的形象，畫作中可以將女性的優雅，端莊的美表現的淋漓盡致。聖嬰耶穌站在欄桿上，由聖母的右手扶在腰間，她似乎中斷了閱讀，專註的看著她的兒子，用左手合起書。聖約瑟夫的眼神恰到好處的看著什麼。藝術就是這樣，更多的來源於生活，或者是生活的比喻也許是想象。我大概瞭解了在宗教和藝術的關係中，無論是西方的基督教還是東方的佛教總有異曲同工的地方，早期的畫像是來源於人的想象更嚴肅，更神話，隨著時間的推移有一個世俗化的過程，更能反映出當時人們的文化生活。一副傳統的聖母與聖子畫，風格是拜占庭風格。可能是某個祭壇畫的一面。五月的 巴黎
疫情開放後的第一個春天，可以在異國他鄉遇見很多的同胞。每個人都會在盧浮宮參觀很久，但絕大多數的我們都只能浮於錶面，想來也很正常，我們微不足道的活著，比起人類漫長的歷史，我們啥也不是。瓦平松的浴女（此畫後歸瓦平松收藏，故得名）是安格爾28歲時創作的。畫家從這個美妙的女子背部看到了使他激動的東西，那就是微妙的色調變化，半明半暗的光色在這個柔嫩的背部微微變化著浮動著。色彩雖然相當原始，卻也不無悅人之處。安格爾用綠色的帘子、淺黃色調的身軀、白色的床單、白色帶紅花的綢子頭巾——安排在這個背部的周圍，就象鑲嵌這個富有素描情趣的裸女背部主題那樣，加強全畫的細膩的繪畫性。帘子與褥巾的褶皺成了這個女人的柔和膚色的陪襯。浴女斜視著左前方；牆壁的灰調子沒有干擾前景上的事物，它們被推得好像很遠。空間與浴巾等物的裝飾一如樂曲上的和弦，給人發出娓娓動聽的細顫音。這幅素描人體油畫具有特殊的美感表現力。《瓦平松浴女》反映了安格爾借助於女人體的整體感和細膩感來表現人體單純、潔凈、洗練的美感。