誰曾驚艷時光 ． 誰曾暖熱心房 │ 法國
奧賽博物館是由廢棄多年不用的奧賽火車站改建而成，1986年底建成開館。改建後的博物館長140米、寬40米、高32米，館頂使用了3.5萬平方米的玻璃天棚。博物館實用面積5.7萬多平方米，共擁有展廳或陳列室80個，展覽面積4.7萬平方米，其中長期展廳1.6萬平方米。
奧賽美術館這幢建築是讓人驚嘆的開始,它曾經是20世紀初最摩登、最舒適、最精緻的火車站。從美術館的檢票口轉進來,一抬頭,就會發現自己正站在平臺上眺望寬闊的大廳。頭上是拱形的玻璃頂,兩邊是幾何花卉圖案裝飾的牆壁。這個時髦的火車站只使用了30多年就被廢棄了。因為火車發展得太快,而這裡的月臺太短,機車沒法全部停靠進來。又過了20多年,政府想把它拆除,但是 巴黎 的文化界認為它應當作為遺跡保留下來。這是 法國 最可敬的傳統:有那麼多愛管閑事的人站出來說話,而且很管用。 歐洲 現代文明的根基正是在這種氣氛中一點點建立起來的。後來的總統德斯坦建議把它改成美術館,存放19世紀的作品,帶動了世界各地把老建築改造成展覽館的風潮。
皮埃爾·皮維·德·夏凡納（Pierre Puvis de Chavannes，1824-1898年）
法國 19世紀後期的重要壁畫家。在很大程度上獨立於當時的藝術主流之外，受到一群不同風格的藝術家和批判家的支持。
早年入 巴黎 綜合工科學校就讀，後隨他人游訪 意大利 ，受到 意大利 藝術的感染，立志做一名畫家。相繼師從於謝弗爾、歐仁·德拉克羅瓦和庫退爾，但都不能適應。以後主要走自學之路。當他第二次赴 意大利 時，深刻地感受到 威尼斯 畫派的色彩表現力。在他28歲時回到 法國 就在皮 加爾 廣場租了一間畫室開始了職業畫家的生涯。1861年他的作品《戰爭》與《 和平 》出展沙龍時獲得 成功 。此後夏凡納主要從事壁畫創作。在壁畫創作中他大多採用象徵手法，以表達對生活的寓意。他為 巴黎 大學圓廳畫的《文學、科學和藝術》、為 里昂 藝術宮畫的《文藝女神在聖林中》以及受 法國 政府委托在 巴黎 先賢寺畫的一系列壁畫，確立了他作為象徵主義大畫家的地位。
其壁畫和油畫深得學院派和前衛藝術家的贊賞。雖然他以古典學院派手法創作寓言和歷史題材的作品，但簡化了形狀並使用大塊色彩繪製裝飾性平面圖案。《窮漁夫》、《聖林》和許多其他作品影響了保羅·高更、 喬治 ·修拉和眾多象徵主義畫家。壁畫作品包括 巴黎 索邦大學的《科學、藝術與文學》、 巴黎 先賢祠的《聖·熱那維埃夫的一生》（Life of St. Geneviève）及 波士頓 公共圖書館的《田園詩》。
夏凡納的藝術具有三大特征：他改變了直觀感覺，簡化了素描和裝飾性的傾向
夏凡納發現和創造了獨特的美的境界：在他的畫面上往往把寧靜莊重的人物安排在近景，人物造型一般偏於修長，多採用古 希腊 羅馬 服飾，姿態典雅，無論是站還是卧，都顯示出一種風姿綽約的美感；構圖上往往將視平線抬高，天空占得很少；他從不用強烈的對比色，柔和、淡雅始終是他作品的主情調；其作品的題目往往只是構思中的一個楔子或者引言，畫中真正的涵義，則主要來自觀者心理上的作用；夏凡納把裝飾藝術引進到詩的境界，他那蘊含著崇高與溫和的詩意、文學的想像和象徵的精神，具有永恆的意義。
法國 在1870年的普法戰爭中失敗了，政府處於一蹶不振的狀態之中。人民看到這樣的社會現實，希望自己的民族能夠奮發振興起來。
《希望》正是在這一歷史背景下創作出來的。畫中描繪了一位坐在荒野廢墟上的美麗純潔的少女，她身著潔白的衣裙，手持著橄欖枝，儀態端莊嫻靜，給人一種通過戰爭之後希望 和平 的理想，少女形象本身也給人以青春長存的感覺。畫家以少女的形象象徵法 蘭西 祖國，她滿 懷希 望地憧憬著未來，並堅信一切痛苦和哀傷都會過去，陰雲去後必將是充滿美好的陽光。
畫面色調純靜柔和，荒涼的廢墟上點綴著孕育新生命的小花草，佈滿朝霞的天空被推向畫面上方邊緣，這使輕淡的畫面內涵有力度的分量感。
這幅畫作於 法國 在普法戰爭中失敗後的第二年。
（《希望》收藏於 巴爾的摩 沃爾特斯美術館）
早在1863年夏凡納就曾畫過兩幅組畫，即《勞動》和《休息》。他十分熟悉漁民的勞動與生活，也十分同情這些處於社會底層的勞動者的苦難處境，為了從事這方面的題材創作，曾畫了很多速寫，最終完成了這幅代表名作。畫中塑造了一位立於小漁船上的漁夫，低頭祈禱求魚的情態。
他處於近景，大塊水面上岸坡交錯，分割的水面產生構圖變化的美感，中景草地上有採集野花的妻子和入睡的孩子，給人一種寄美好希望於後代的意趣。整個畫面肅穆沉靜，優美的自然和貧窮的人生同時展現在人們面前，既是畫又是詩。
這幅畫是獨具畫家個人畫風的象徵主義代表作，作於1881年，畫幅不大(155×192釐米)，但影響甚巨。畫面上，遠處是一片遼闊的湖水和一抹遠山，近處是湖岸的草坡；一隻停泊在岸邊的木船。水中是船的清晰的倒影，一根高高的斜木立於船中，吊著沉於水中的漁網。漁夫直立在船上，雙手交叉，低著頭。他是在祈禱還是在沉默地申訴？
岸上是他的妻子，跪著，兩手伸開，正在照顧躺在地上的嬰兒。這是個漁民之家的生活場景。然而這又是一幅氣氛凄涼的、寂靜的帶有神秘意味的生活場景。寂靜高於一切，這是象徵派畫家追求的意境。雖然當它展出時，上層社會的觀眾認為他是效法米萊，企圖讓人們看到 法國 最低層的生活，從而使畫家被學院沙龍排斥達九年之久。事實上，畫中雖然註入了畫家對勞動者的同情，但他並不是在揭露社會的不平。畫的色彩非常富有裝飾性，在棕色的調子中，幾乎用平塗手法把畫面分成大面積的色塊，每一物體，清晰而具體，但又都是抽象的。後來，畢加索從此畫得到啟發，使他投向對勞動者生活的描繪。
（《貧窮的漁夫》）
橘園美術館( Musee de I' orangerie)屬於一個人,來參觀並專程為這個響亮的名字而來:克勞德·莫奈( Claude Monet)在 巴黎 ,朝聖莫奈的地方至少有三處,橘園是最神奇的。莫奈神話的開端之作在瑪摩丹美術館,那裡有他著名的《日出印象》。而神的終點在橘園，那裡有他一池的《睡蓮》。這裡專門為他建立了兩個寬闊的橢圓形展室,展出他最後的夢想。
1914年,殘酷的第一次世界大戰使 歐洲 從一片歌舞升平的富庶享樂的氣氛中,一下子跌入黑暗時代。77歲的莫奈此時正在他自己建造的伊甸園 吉維尼 ( Giverny)中安度晚年。他迷醉於池中盛開的睡蓮,他一直想表現它們在鏡子一般的池塘中優雅的睡姿,但是夢被攪擾了。村莊附近,疲憊行軍的士兵帶來了戰場上的死亡氣息。對戰場上的殺戮,年邁的莫奈當然無能為力。他繼續畫睡蓮。戰爭結束時,莫奈對好友、 法國 總理克列孟梭說,他要為 法國 創作一些作品,他相信自己的畫能給仍在戰爭陰影中的 巴黎 人帶來心靈的寧靜。直到去世前,莫奈一直埋頭創作,他希望人們能在畫中感受色彩在時間流逝中的變化,感受天空和雲彩在水中千姿百態的倒影以及垂柳、睡蓮溫柔的氣息…這就是橘園中的8幅巨幅作品。
館內整個空間和牆面被畫作覆蓋，把觀者圍在其中，近百米長的路線展開的是一幅睡蓮、柳枝、樹影、雲影交映的水景，就像莫奈自己說的那樣，“一片波光粼粼的水面，沒有地平線，也沒有堤岸，猶如沒有盡頭的幻影”。這組傑作意境獨特，舉世無雙。
一池治愈人心旋轉的睡蓮。
門廳是莫奈繪製的，其用意是在躁動不安的城市和他的作品之間營造出一個獨特的空間。讓人們在繪之不盡的大自然面前沉思：“被工作弄得緊張不堪的神經將在此得到放鬆，就像水面一樣的平靜，人們猶如置身於花池的中央，在這裡靜思默想。”1909年他開始醞釀此計劃時寫道。這些“大裝飾”是莫奈留下的名副其實的藝術遺產，構成了他一生中最後的完美篇章。從1914年開始構思直至去世（1926），這些作品從他位於吉尼的居所的“水上花園”得到靈感。1886年起，莫奈就開始探究運用光線的變化來描繪他的花園。從東面的清晨到西面的夕陽，這兩個展廳陳列的八幅畫作令人感受到時光的流逝。畫面沒有天際，高低適中。水、空氣、天、地這些元素糅合在沒有遠景的構圖中，伴以朵朵睡蓮。畫家呈獻的是“無盡的整體、無邊無際湖水的幻夢”。1927年對公眾開放後的幾個月，藝術家離開人世，《睡蓮》一時難覓知己，因為當時評論家們對前衛藝術的探索更感興趣。二戰後，在那些從《睡蓮》中看到了抽象藝術根源的抒情抽象派理論家們的影響下，橘園美術館贏得了越來越多的觀眾。
