春假暴走紐約一周，26000字美術館攻略+30個私藏網紅卡點，大放送！
我的參觀路線：
周四（21日）：直接上2樓- 亞洲 藝術- 美國 之翼-羅伯特收藏館- 歐洲 繪畫藝術-現當代藝術-19-20世紀 歐洲 繪畫藝術- 中東 藝術
周五（22日）： 希腊 羅馬 \- 大洋洲 、 非洲 \- 歐洲 雕塑與裝飾藝術-武器盔甲-中世紀藝術- 埃及 藝術館-大都會商店
如此安排理由
1.逆行人少，一般人最多的是一樓的 希腊 和 埃及 館，因為方便，而且很多導覽也是一樓開始的。二樓 亞洲 藝術區相對人少很多，逆行，能夠避開人潮，方便自己走的更快。
2.情緒投入，二樓開始的第一個廳是 中國 展廳，用最充沛的精力和最大的好奇心看自己最能看得懂的東西，即使看的太投入忘了時間，錯過了其他館也沒關係，至少國寶看了不少，值。
3.一個不落，用兩個半天的時間幾乎走完了全場，看到了50%左右的highlight，但是羅伯特、 歐洲 繪畫、中世紀、 歐洲 藝術基本都是走馬觀花。但是不遺憾，畢竟，這裡這輩子不知道還會刷多少次。
番外：當代藝術小白入坑指南在所以藝術階段中，我還是最喜歡當代藝術。為什麼？因為門檻“低”啊。
近代以前的藝術都是油畫雕塑為主，需要一整套的藝術史觀，要瞭解藝術家、流派、畫法、架構、造型，也要懂得顏料和金石的化學性及其主要產地、製造工藝，更需要熟記 歐洲 歷史、 希腊 神話、宗教故事、人物史事，沒點深厚的歷史積累和藝術素養，還真不能說自己看懂了。不然你問那些看過《蒙娜麗莎》的，不抄襲百度百科的話，有幾個能說點出門道的。更不要說古代 中國 的士大夫書畫了，自己沒寫過畫過，不讀點四書五經，不通識 中國 歷史，能說自己看懂的，除了天才100%是在裝X。所以看似普羅大眾的審美觀足以看懂的油畫，其實大多數人都只是看了一眼，僅此而已。
而骨骼輕奇的當代藝術就不一樣了啊，毫無技法可言，結構與造型全靠開腦洞，創作材料的之豐富之誇張之不敢想象只會讓你把眼鏡跌到買不起，視覺聽覺嗅覺觸覺甚至味覺的觀賞性都極強，有大量的互動性，以至於某些時候觀賞的你我他本身也是藝術品的一部分。唯一一點的要求就是，歷史常識還是要有點，政治素養要高（不是每天打卡學習強國的那種），不然年代久一點的作品會不太能get到G點。 那如何入門？看不看靠心情，入不入門全靠緣分。至少密恐症患者起碼是接受不了草間彌生、名平晃和的，但我就不一樣了，我就是看了草間彌生才突然意識到自己還能有這麼個愛好。另外很多人多氣味過敏的也不行，畢竟總有些展品會散髮出奇奇怪怪得氣味；膽子小的也不行，這個世界上大白天也很詭異的就是美術館了，奇特的造型、詭異的BGM、空曠無人的展館，不嚇人都難。當代藝術入門的首要因素就一個字——愛。來了，看了，覺得“哎喲，不錯喲”，然後一個新世界的大門開啟了。
當然現在的很多當代藝術展商業性很強，以能幫助小姐姐們拍出刷爆朋友圈/ins的自拍照為首要目的，那些有的雖也叫展，但真的只是個自拍背景。即使是真的藝術家或者團隊的作品，也更多的突出流行性、社會性與商業價值， 比如 來自 英國 的《雨屋》、 日本 teamlab的作品等。那如何判斷是真藝術還是假藝術？我在國內發現一個共性，有策展人的都會有一定學術性的真展，其他的都是賣賣門票拍拍照而已。當然街頭塗鴉大神班克斯大神除外，至今沒人見過真身，其作品雖有拍賣，但卻沒有展覽這一說。 都看點什麼門道？1.看角色：當代藝術有三個不可缺少的角色——美術館、策展人、藝術家。
A 美術館（有時候不限於美術館本身，會拓展到各種地方）是藝術品的陳列空間。需要註意一點的是美術館和畫廊的區別，畫廊是出售藝術品的“商店”，它的意義是為了出售藝術品，陳設什麼的不重要；美術館是為展示、陳列藝術品為存在的地方，性質上有公立、私立、公益性之分，與收不收門票無關，畢竟保潔阿姨的工資要付，看一個展覽或一個作品不能夠脫離空間本身，畢竟當代藝術的尺度很極端，大的可上天（如蔡國強《天梯》數百米的炮仗），小的得用放大鏡（如約翰列儂爬上梯子用放大鏡看到了小野洋子的畫，一見鐘情），當代藝術館的空間都很大，MoMA例外，因為他展出的以畫作為主。所以很多美術館建築本身也很有看點，如惠特尼的露臺、 新當 代的白色建築、古根海姆的螺旋走廊。 北京 的尤倫斯， 上海 比較出名的龍美術館（西岸館）、餘德耀、大煙囪PSA等都是優秀的美術館，特別是龍美，展覽水準相對國內同行極高。
B策展人，幾乎所有的當代藝術展覽都有策展人，策展人是與大眾最近的人（對的，並不是藝術家本人），他幾乎只為觀眾負責，這個觀眾是普通大眾以及收藏家，因為他要根據展覽面向的核心觀眾（要賣畫還是賣票的問題）、展覽的意義和目的選定展覽的主題，利用自己的商業、藝術界人脈和學術積累去組織一場展覽，決定哪些藝術家的哪些作品入選，展覽如何陳設，觀展路線如何規劃，如何作序，怎麼寫導覽，如何幫助藝術家擴大影響力等等，類似於電影導演+製片人的概念。很多時候策展人的水平就決定了這個展覽的水平，特別是雙年展、聯展、主題展。當然由於我們的國情，當代藝術創作自由度有限，而濫竽充數的又冠絕全球，策展人的水平一般不咋地，很多重要的展覽都是國外的獨立策展人，在看一場展前多差一下策展人的背景會助於理解。
C藝術家，他算是角色當中最重要也是最不重要的一位，這個和古典繪畫藝術大相徑庭。繪畫藝術中觀眾要欣賞畫風、技發，所以藝術家本人是觀眾探討的核心。但是當代藝術由於精彩紛呈，藝術家多如牛毛， 紐約 、 上海 一抓一大把，普通觀眾這輩子可能也就只會在某個展覽的角落看到一件作品，卻很難有機遇再見，探討也沒必要。除非他有自己獨特藝術語言，並以此引領一派成為大師（如何識別大師？看他有沒有在重要美術館辦過個展or回顧展or參加過國際性雙年展，目前國內的雙年展就 上海 還有點水平）。需要探討一下藝術家本人的OS，那就需要多瞭解一下他的生平、駐地、創作史、常用的媒介和語言。生存環境決定了他的思維，駐地環境會和作品息息相關，創作過程的成長，常用媒介和語言就是自己的“畫風”。特別是成長年代的重要政治和社會事件（這就是我前面說的政治素養），這會成為他藝術批判的源泉，也是他們思想的根基，十分有助於理解一件作品背後的故事和藝術家的表達。正所謂“批判的才是當代的”。
2.看媒介：通俗的來說就是用什麼形式表達，當代藝術有繪畫、裝置、影像、行為、多媒體等豐富的藝術形式。
繪畫主要體現在材料 比如 布面丙烯、紙本設色、綜合材料等等，用顏料、用金屬、用垃圾、用標本、用食物甚至用人（嚇人不）。裝置在現代藝術範疇包含了雕塑，當代藝術在大多數來看可能就約等於裝置藝術，主要是因為裝置藝術的侵入性，驚人的尺度和體量，放飛自我的材料，極強的參與感互動性。影像多數就是奇奇怪怪得視頻和照片，大多數藝術家都喜歡黑白膠片拍攝（顯得出世吧也許），很多行為藝術也會用影像記錄，結合裝置布展進行展示。行為藝術這個大家都知道，但是在展覽上很難看到，一般都是通過錄像。多媒體算是近幾年 新興 的媒介，互聯網時代的必然，典型的如前面說的 日本 teamlab，在一堆感應器上運行程序來與觀眾互動，呈現出絢麗的畫面。
3.重要性：所謂的重要性，就是藝術作品或藝術家的創新性、批判性。
創新除了體現在前面說過的媒介創新，更重要的是語言創新，可以看成是“畫風”的創新，藝術家用什麼元素、材質、符號、造型、色彩等去表達才是看點。 比如 杜尚的《泉》顛覆了之前的繪畫形式，賈科梅蒂的《大都會》顛覆了之前的羅丹，約翰凱奇只有禁止符的音樂《4分33秒》，安迪沃霍爾用複製得來的《金寶罐頭湯》，曾梵志的《最後的晚餐》標誌性的人物造型等等。批判性通俗說來說就是自己的哲學立場是什麼，代表一個什麼主義（虛無主義？超現實主義？未來主義？存在主義？），想要批判哪種社會性的或者自然性的時間，已經對自己對人性的探討，人性的原罪還是閃光點。語言獨特，畫風強烈，批判現實的藝術家才是好的藝術家。像葉永青這種抄襲的絕對不行，創造性解讀的挪用和抄襲是兩碼事。
4.情緒：當代藝術是“觀念的藝術”，重要的不是藝術本身，而是作品傳達出來的“情緒”。
是內斂的還是蓬勃的，是深沉的還是熱烈的，是實在的還是虛無的。在參觀當代藝術作品時，靠近藝術品，看到了什麼，想到了什麼，困惑的是什麼，參與的是什麼，這才是當代藝術對於參觀者意義。所以參觀一場當代藝術展，就如同進行了一場大腦冥想，是神好的放空自己、修複大腦、愉悅身心的機會。 如何判斷一件好作品？結合前面說的，重要的場館、知名的策展人、革命性的藝術家，基本出來的都是好作品，相信自己嘗試著去理解、去體會、去思考、去享受吧。當然誰都有馬失前蹄、偷個懶、吹吹水的時候，不食人間煙火的藝術家也不例外啊。另外還有一種展覽叫藝術博覽會的，如果你去這種商業性的藝術品交易展（畫廊們年度歡聚的日子），那基本上你看到的作品都可以現場侃價直接買走。
好了，祝大家 紐約 觀展愉快。
